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ACONTECIMIENTOS 2013

MATÍAS PIÑEIRO

(Read the english translation)

 

 

Higanbana (Yasujiro Ozu, 1958)

Esta es una lista de las películas -y no sólo- que he admirado este último año.

En algunos casos, señalo el detalle que todavía mantengo fuertemente en mi memoria.

 

Equinox Flower de Yasujiro Ozu (1958)
Ver esta obra maestra en pantalla grande me hizo volver a ver todas las últimas diez películas de Ozu. Me concentré las
«en colores». En particular sobre Equinox: las niñas, el humor, la franqueza en las conversaciones, la trama, el equilibrio, las elipsis, la música, la troupe, el final y la escena que le sigue a la final.

«Mal visto, mal dicho». Nunca tan bien dicho lo mal que he visto Ozu antes. Ahora creo que hay una clave en su cine que tengo que personalmente buscar. No la he encontrado todavía, pero voy a seguir buscando. Hasta esta película, no me había dado cuenta de lo mucho que me gusta Ozu.

 

The Unspeckable Act de Dan Sallit (2012), The Unity of All Things, de Daniel Schmidt y Alexander Carver (2013), Traveling Light de Gina Telorini (2012), Manakamana de Stephanie Spray y Pacho Vélez (2013).

¡El cine americano está vivo!


The Big Mouth de Jerry Lewis (1967) en el Austrian Film Museum durante la Viennale.
Chris Fujiwara me introdujo a las películas de Jerry Lewis hace tiempo ya y desde ese momento no he sido capaz de regresar de esta perplejidad y emoción profunda que he desarrollado por su obra. Nunca había visto
The Big Mouth en su justa medida hasta esa noche en una hermosa copia en 35 mm. Admiro su raíz beckettiana, su escultura de tiempo y, por supuesto, sus bromas.

 

Cy Twombly Gallery en Houston, Texas.

Nunca había estado particularmente interesado en la obra de Twombly, pero después de visitar esta galería, me di cuenta de lo equivocado y perdido que estaba. Su tendencia a la serialización es fascinante. Cada habitación produce un mundo en sí mismo alrededor de las obras colgadas. Nueva coherencia y el empoderamiento de la obra por medio del montaje en serie en cada espacio. Obras que nunca he visto de él –colores: rojos y verdes; tamaños: formatos gigantes y envolventes, y formas: ovales y contorneados– y obras ya vistas –los lienzos blancos con los ataques en lápiz y pintura repentinos nunca tan bien apreciados que por la forma en que están presentados en esta galería. Se podría decir que el montaje sigue siendo notre souci.


Outtakes of a Life of a Happy Man (2013) y Autorretrato de Jonas Mekas (1990).
El reloj pulsera.
Mekas presenta su nueva película en un espacio de arte en el que mostraban otras obras de él en formatos varios. Yo estaba viendo su
Autorretrato en una pequeña pantalla de televisión con mi oreja pegada a la salida de audio, cuando de pronto se puso a arreglar el volumen de su película de 1990. ¡Nunca descansa! En un momento en su autorretrato, mientras cuenta cuánto tiempo hace que viene hablando frente a cámara, muestra las agujas de su reloj de pulsera. Tan pronto como hizo ese gesto en la película, el Mekas de carne y hueso saca de su bolsillo ese mismo reloj y lo apoya con fuerza sobre la pequeña pantalla electrónica. Se sonríe. ¡En sincro!

Outtakes of a Life of a Happy Man (Jonas Mekas, 2013)

 

Los ilusos de Jonás Trueba (2013), Costa da morte de Lois Patiño (2013), Arraianos de Eloy Enciso (2012), Història de la meva mort, de Albert Serra (2013).

¡El cine español está vivo!

(Y hay muchas más películas además de estos cuatro grandes títulos).

 

El cuadro «Margarita Gachet en el piano» de Vincent van Gogh.

Es la pintura que Jacques Dutronc en su Van Gogh pinta en la película de Maurice Pailat en el jardín del doctor Gachet en Auvers-sur-Oise, 1890. La escena a través de la ventana.
El cuadro, atormentado entre la vida y el cine, es más oscuro y más verde que lo pensado. Lo encontré por casualidad mientras pasaba por un museo.


At Sea (2007) y Three Landscapes (2013).
El cortar de Hutton.

Mi primer encuentro con sus películas me mostró la fuerza que un corte bien hecho puede tener. Y corta siempre excelentemente, en cada momento.

At the sea (Peter Hutton, 2007)

 

La Jalousie de Philippe Garrel (2013).
El último plano.

Conciso y preciso; precioso. Cada movimiento Garreliano comprimido en una sola y corta película nos lleva hasta el más bello final. Por su rotunda simpleza. Un cierre simple de una longitud no precisa, en silencio, casi no es nada y así, inrremediablemente, termina.


L'Inconnu du lac de Alain Guiraudie (2013).
El plano general de la playa de estacionamiento. Su recurrencia, los coches, los colores y las pequeñas diferencias.

Al observar sus obras anteriores, me quedé sorprendido por la coherencia y la continuidad con la que Guiraudie nutre a cada una de sus película. Todas sus películas son hermanas, una pertenece a la otra .


Nobody´s Daughter Haewon de Hong Sang Soo (2013).

Dos películas de HSS en un año, otra vez.

Kom Bei!


Trois exercises d' interpretation de Cristi Puiu (2013) y El loro y el cisne de Alejo Moguillanky (2013).
La belleza de las películas íntimas, hechas por un grupo íntimo y fuertemente unido. Los rostros, nuevos rostros y voces en plano.


La Caída de Leopoldo Torre Nilsson (1958).
La actuación de los niños. Sus voces: los tonos, los acentos y sus maneras.
Primera vez que veo esta película inquietante que he terminado para incluir entre mis favoritas de mi país. Degradada al verla en youtube, pero finalmente vista, ahora tengo ganas de verla en una buena copia restaurada.


Vous n´avez encore rien vu de Alain Resnais (2012).
El comienzo de la película: la secuancia de las llamadas telefónicas a la formar la troupe. Es más larga de lo que debería ser, por que es completa. Y eso es lo único que importa. Tomarse el tiempo.

No sólo sigue Resnais insistiendo con ir más allá de sus propios descubrimientos, sino que hace apreciar los esfuerzos y placeres tiene contiene una escena cuando se despliega en un tiempo al que nosotros espectadores nos tenemos que acomodar. No se trata de la longitud efectiva del plano sino de la tensión entre la escena y quien mira cuando esta se prolonga y se prolonga hasta donde ella sabe que tiene que hacerlo. Toma una nueva y original medida del tiempo y demuestra que puede seguir ofreciendonos el cine todavía.


Sipohi -el Lugar del manduré de Sebastián Lingiardi (2011).
Segundas oportunidades.

Vi mi película favorita de Argentina del año pasado en el Anthology Film Archives. Es la segunda vez que estoy en condiciones de ver una de las películas de Sebastián ahí. Si bien es un buen amigo mío, nunca había podido ver sus películas cuando lo debería haber hecho: en el Bafici o en Buenos Aires. En falta con sus películas, afortunadamente el Anthology Film Archives me ha dado dos veces una segudna oportunidad. Hace tres años. Migrating Form mostró su primer largometraje "Las Pistas" y el año pasado "Sipohi -el Lugar del manduré " fue parte de un ciclo de cine español y latinoamericano divergente.

La vena narrativa frente al registro de relatos de un pueblo castigado hacen de esta película una fuerza única de resistencia.


Emperor visits the hell de Li Lou (2012).
El tiro del emperador en la parada de autobús. Mi favorita película de época.

Dos épocas expuestos en una sola toma; filmadas por la literatura tiro se ve obligado a pasar de la manera más directa, lúdica, simple y rigurosa.


Tiro de gracia, de Ricardo Becher (1969).
Primera vez que veo esta película clave del cine argentino.

Debería haberla visto hace mucho tiempo.


Broken Arrow de Delmer Daves (1950).
Los indios recuperan una posición en este Western que se hace las preguntas que los Western ni se preocupan ni por hacerles una panorámica. Daves era un cineasta demasiado poco atendido por mi cinefilia.


Satyricon de Federico Fellini (1969).
Con esta película encontré mi favorita de Fellini.
Estructura fragmentaria, la proliferación de cuentos y personajes, composiciones barrocas, reencuadres constantes y largas piernas. ¡La literatura y el cine se dan una panzada!


La retrospectiva Jean-Luc Godard en Film Society Lincoln Center.

No fui capaz de manejarla.

No pude ver ni la mitad de las películas que quería volver a visitar, pero al menos yo vi algunas.

Con este evento me fui dando cuenta de cómo abordar este tipo de empresas cinñefilas que son tan difíciles de llevar a cabo cuando uno está tratando de vivir una vida fuera de un cine.


La retrospectiva completa de George Cukor.

Las lucha de clases y de género son los dos ejes de la mayoría de sus películas, o al menos de sus mejores, que son más de una veintena .


Cradle Snatchers de Howard Hawks (1926).
Me encanta su picardía y el tono de previo al código: mujeres engullendo hombres y así. Sin embargo, las lagunas (o baches) en la narración fueron el punto fundamental de la experiencia. Como algunas escenas han desaparecido de los sesenta minutos de esta película muda de Hawks, un nuevo ritmo se desarrolló del cual hay mucho que aprender.

 

Visitar París y no poder volver a juntarme con el cineasta argentino Eduardo de Gregorio, muerto unos meses antes de mi llegada.

Y una visita al cementerio de Montparnase, en busca de la tumba de Eric Rohmer. Me tomó mucho tiempo encontrarlo, pero finalmente lo hice –sobria granito gris algo esmaltado- y ya pronto me retiré del lugar.


Hugo Santiago rodó su nueva película
El cielo del centauro, después de décadas de no filmar en Buenos Aires.

La vuelta de Malba.cine en Buenos Aires a realizar estrenos internacionales, con películas como Ne change rien de Pedro Costa y Museum Hours de Jem Cohen.

La gran remodelación de la sala Lugones en Buenos Aires, cuna de toda cinéfilia porteña desde hace décadas.

Cradle Snatchers (Howard Hawks, 1926)